Detalles técnicos

La talla ha sido realizada de una pieza en un tronco centenario (unos 120 años) de cedro del Líbano de una calidad y nobleza óptimas. El cedro del Líbano es el árbol más citado en las Escrituras. Desprende el olor que invadía el templo de Jerusalén. No le afectan los xilófagos ni los hongos. Posiblemente es el material simbólicamente más apropiado para representar a un santo. Conseguir una materia prima de estas características es prácticamente imposible y de costes impredecibles.

Dice el salmo 29: "La voz del Señor es potente, la voz del Señor es magnífica, la voz del Señor descuaja los cedros, el Señor descuaja los cedros del Líbano".

De este modo una ciclogénesis explosiva desgajó los cedros centenarios del Real Sitio de la Granja de San Ildefonso, en Segovia. Y con el apoyo del Departamento de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y contando también con el apoyo y mediación del propio presidente de Patrimonio Nacional, le fueron donados tres de estos cedros. Uno ha tenido por destino ser el "Cristo crucificado" de la tumba de Carmen Hernández, otro nuestro "San Juan de Ávila" y un tercero que representará próximamente a la "Santísima Virgen María Madre de Todos los No Nacidos".

El cedro es una madera que tiene un olor maravilloso, pero principalmente tiene un gran valor simbólico por tantas reseñas que tiene en la Biblia por diversos motivos. En la facultad, normalmente se enseña a tallar con maderas ensambladas. El autor empezó a tallar troncos de cedro de casualidad, en una obra en la que trabajaba de encofrador a la vez que estudiaba. La dificultad que tiene es que los troncos, cuando crecen en estado salvaje, tienen nudos muy grandes y, además, con un tronco sólo hay un intento para tallarlo. Si te equivocas, no hay manera de arreglarlo. Pero tiene de genial la continuidad de la veta por toda la superficie. Es muy interesante como el material "participa" con sus grietas y nudos y hay que ir adaptando y contrarrestando. El resultado es una obra que más que buscarla te la vas encontrando y por lo tanto es única e irrepetible.

La técnica utilizada para la talla de esta imagen ha sido la de la talla directa. La talla directa es básicamente un acto de fe, una búsqueda y sobre todo un encuentro con la imagen trabajando directamente sobre el tronco. Podría decirse que es la modalidad más pura de esculpir y en la que más interviene la oración y la confianza en el Señor. Además, se trata de una escultura hecha toda de una pieza, toda del mismo tronco, sin añadido ni postizos. De hecho, se ha querido dejar la misma base del tronco a modo de peana para hacer ver el diámetro del tronco trabajado (algo más de lo que se puede apreciar actualmente, ya que fue recortado levemente).

La policromía ha sido realizada con pigmentos naturales y tradicionales al temple directamente sobre la madera y aplicación de oro de 24 quilates. Esta policromía viene a completar la propia naturaleza de la madera compuesta por vetas, nudos y manchas.

Al igual que en la belleza de la naturaleza, donde el cielo liso canta la textura de las montañas rugosas; las montañas rugosas cantan la textura de los árboles. Así en esta escultura aparecen tres diferentes texturas que pretenden realzar la belleza una de la otra. La primera textura es la de las manos, el brazo, el pie, el Cristo, el libro y la cabeza, una textura pura, lijada, refinada, esculpida al detalle, pero sin policromar, solo una ligera veladura. En las manos, por ejemplo, se aprecian perfectamente las venas, los nudillos, las uñas... El mismo libro parece estar hecho con pastas de piel. Esta textura pura canta la siguiente textura: la del negro hábito que mantiene la textura de herramientas, en la que se ha dejado vista en ella el uso de los diferentes utensilios usados: gubias, hachas... Es de subrayar en esta textura el cíngulo: cómo va cayendo y apoyándose al mismo tiempo sobre el hábito, y la botonadura de éste. Esta segunda textura canta y resalta la tercera, que es el manto: una magnífica obra de arte, elaborado minuciosamente "hilo a hilo" y policromado. En el manto se aprecia perfectamente la característica de "raído" de la que hablan sus biógrafos: zonas desgastadas, algunos remiendos, zonas en las que el hilo ya está muy abierto... incluso las rajas del tronco y sus nudos, presentes en el manto, están integrados en el aspecto viejo del mismo.

La obra inspirada que se encuentra tiene una finalidad catequética, una catequesis que perdura en el tiempo y que no sabemos quién y en qué momento de su vida va a recibir, aun cuando nosotros ya no estemos. Se trata de una excelente obra de arte cuya pretensión fue mover dentro del espectador el deseo de la conversión y alcanzar al Seminario Redemptoris Mater de Córdoba y a todos los que la visitan.

El escultor

Nacido en Madrid, en 1977. Jesús Arévalo es un escultor madrileño. Se licenció en Bellas Artes y es el sexto de diez hermanos. Está casado, tiene cuatro hijos. Pertenece a una comunidad neocatecumenal de la parroquia madrileña de la Paloma. Se dedica fundamentalmente a la escultura religiosa y sus obras y colaboraciones pueden admirarse en diversos museos, en la capilla donde está la sepultura de Carmen Hernández (Cristo), en la Catedral de la Almudena (relieves de la fachada), en la Domus Galilaeae (escultura de las Bienaventuranzas) de Israel, en el parque de Valdebebas (Virgen del Abrazo) o en colecciones privadas.

Dios es quien da el querer y el obrar. Y también da el celo. "Tú buenamente empiezas a pensar, comenta él mismo, cómo hacerlo y te pones a ello, a veces con gran ansia. Es imprescindible estar en estado de gracia. Hay que rezar, confesarse." "Yo, si soy escultor es porque Dios quiere. Eso lo tengo clarísimo.", dice Arévalo.

Antes de entrar a Bellas Artes pensó en estudiar biología o ingeniería técnica forestal. Su padre le dijo, desde su discernimiento y fe, que tenía un don y una vocación a la que ser fiel y que se dedicara a ello, aunque se muriera de hambre. Que no escondiera los talentos que el Señor le había dado. Le dejó atónito su confianza en Dios en este sentido. Aunque estuvo muchas veces a punto de dejar la carrera porque no le gustaba lo que vivía en la facultad, sus palabras produjeron en él una gran determinación.

Licenciado en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (UCM) con Matrícula de Honor en Técnicas y Procedimientos Escultóricos en el año 2005. De Jesús Arévalo afirmó el Departamento de Escultura, de la Facultad de Bellas Artes UCM: "posee una cualidad que solo unos escultores han demostrado tener a lo largo de la Historia, cualidad que le permite intuir las formas que se ocultan en el interior del material, para después liberarlas con gran gusto compositivo, y una mezcla de sensibilidad y expresividad que suscitan auténtica pasión y las hace difíciles de olvidar".

En el año 2006 fue artista invitado a las XXVI Jornadas de Patrimonio Cultural de la Iglesia y realizó un curso de Adaptación Pedagógica CAP. Ha participado como ponente y artista invitado en las Jornadas de Patrimonio Cultural de Confer Nacional. También realizó una exposición conjunta en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid y en la Fundación Fran Daurel de Barcelona. Colaboró en la realización del conjunto escultórico "El Sermón de la Montaña" en la Domus Galilaeae International Center de Israel. Fue también colaborador honorífico y artista invitado por el Departamento de Escultura de la UCM.

En los años 2008-2009 realizó el monumento escultórico en bronce a San Miguel Arcángel y en 2012 las puertas en bronce y madera del Museo del Ioanna et Alexander Ars Scrinium. También, como hemos apuntado antes, colaboró en la proyección y realización de los relieves en roca caliza para la fachada principal de la Santa Iglesia Catedral de Santa María de la Almudena en Madrid: "La Pesca Milagrosa" y "Caída de San pablo Camino de Damasco". Precisamente en 2013 realizó en roca caliza la escultura de la Virgen de la Almudena, Patrona de la Villa de Madrid, situada en el lugar de su mítica aparición en la Cuesta de la Vega.

En 2015 participó en la feria de arte FLECHA. En 2016 fue cuando finalizó los citados trabajos en tronco centenario de cedro del Líbano, del Crucificado de la tumba de Carmen Hernández. Ha sido escultor invitado por LIGNORUM y ponente de conferencias sobre la talla en madera organizadas por la Fundación de Amigos del Museo del Prado. En 2017 realizó el conjunto escultórico de la capilla del Arzobispado de Madrid.

Excursus sobre el arte del escultor

El arte cristiano va encaminado a un encuentro personal con Dios. Todo empieza en la Encarnación de Cristo, cuando se hace hombre. Desde entonces, las imágenes han tenido una importancia teológica y sacramental en la Iglesia de oriente y antiguamente, antes del Renacimiento sobre todo, también en occidente. Después, principalmente con el barroco, el arte comenzó a ser más devocional y sentimental, que también tiene su importancia, mostrando también la cercanía de Dios. Esto tiene su reflejo en los diversos estilos, algunos son más catequéticos y otros muestran más la teoría de la religión católica.

Es más fácil rezar ante una imagen. Las imágenes bizantinas, los iconos, son una catequesis. También las imágenes pueden tener una función de empatía, como en el Barroco castellano.

En el modernismo hay una idea de la belleza como un lastre academicista que hay que superar. Se hace el razonamiento simplón de que, si la obra no busca la belleza, has superado los condicionamientos de la academia, te has liberado. Es una actitud que va abocada al fracaso, porque desde que nacemos estamos necesitados de belleza, aunque hay mucha gente que ya se haya acostumbrado a vivir sin ella. En sus obras intenta encontrar una belleza atemporal. En el caso de la escultura religiosa, el camino es el encuentro con Jesucristo, con el arte como una vocación. El objetivo es que una escultura sirva para que los espectadores y el escultor se encuentren con Dios. No se trata de superar nada, sino lo que Dios quiera que salga. Por supuesto, tienes que esforzarte, tienes que saber arte y escultura, tienes que tener nociones de equilibrio, de belleza...

Un profesor que tuvo le decía que la escultura, la pintura y el arte religioso en general de la Iglesia ahora están desprestigiados. Y es verdad que buena parte del arte religioso que se hace ahora es bastante malo o se encarga a artistas que o no son católicos, o no entienden el tema. Esto es como hacer un poema sobre tu madre. ¿Quién puede hacer el poema mejor que su propio hijo? Bueno, pero es posible que el hijo sea un pésimo poeta y lo que le salga sea un churro. Entonces, se lo encargas a un gran poeta, que hace un poema muy bueno pero la madre que aparece no es tu madre, porque a tu madre no la conoce nadie como tú. ¿Cuál es la combinación ideal? Que sea un gran artista y que sea católico. No basta informarse sobre el cristianismo, porque el cristianismo supone una experiencia de vida y si no la tienes, estás trabajando sobre algo que no conoces.

Antiguamente, desde el arte paleocristiano, todo estaba supeditado al obispo, que discernía si eso que se representaba era fiel imagen de Dios, María y los santos. A una de las pastorcitas de Fátima le enseñaron varias imágenes y le preguntaron cuál se parecía más a la Virgen. Ella señaló un icono de cientos de años de antigüedad. Lo había pintado un monje, que había estado rezando mientras lo pintaba, junto con toda su comunidad, y luego había sido llevado ante un obispo que lo había aprobado en nombre de la Iglesia.

La función catequética del arte, la espiritualidad y trascendencia que transmitían los códigos antiguos, sufrió una gran decadencia a partir del Renacimiento y el Barroco, aunque anteriormente también pasara en algunos casos. La Iglesia, que seguía siendo la gran mecenas y escogía a los mejores artistas, abanderó un arte que dejó de tener un fin primordialmente catequético concediéndose mayor importancia a lo estético y anecdótico, a lo propagandístico también, relegando en muchos casos el mensaje a una mera excusa para desarrollar técnica y virtuosismo. De un arte más catequético se pasó a un arte más de temática religiosa, aunque esto está también lleno de excepciones que producen una fuerte experiencia espiritual en el espectador.

Ahora, el problema es que, igual que decíamos de la belleza, parece que el contenido también es un lastre academicista. Se busca "el arte por el arte", que es como comer por comer, hacer las cosas sin mayor intención y a la vez nos perdemos en un mar de infinitas justificaciones, motivos y tendencias. Hacia el contenido religioso hay un tremendo rechazo por prejuicios, complejos y por el escándalo que produce el arte religioso (a veces muy justificado, porque es malísimo cada vez en más casos) y eso ya desde la facultad. Tiene mucho que ver con la sociedad en que vivimos, que sufre de muerte óntica, de muerte del ser, un gran nihilismo, una búsqueda desde el rechazo de lo que somos, una sociedad con bases cristianas, y por eso el arte que se hace es, por ejemplo, expresionismo abstracto, a pesar de que le gusta mucho, o un hiperrealismo frío y cadavérico, instalaciones, performances... arte efímero, erudición sin arte... muchos prejuicios y justificaciones entre infinitas tendencias que dan como resultado arte de mucha y de muy poca calidad sin criterios claros.

La Iglesia frente a esto se refugia muchas veces en refritos que dejan un rancio sabor de boca. O distorsiona el mensaje por querer trasmitirlo con códigos vanguardistas incomprensibles o que no se adaptan al fin catequético, resultando un quiero y no puedo, un quiero ser moderno y no lo consigo convincentemente.

La Iglesia también se acompleja frente a la presunción de elitismo del artista. Y el artista no reconoce la autoridad de la Iglesia. Sería muy bueno que los artistas católicos obedecieran de nuevo al obispo y que éste se sintiera con autoridad, desde el discernimiento y conocimiento de Dios que le otorga el Espíritu Santo como gracia de su estado, para decir "esta obra ha costado 50 millones de euros, pero no vale; hay que quitarla porque no es Cristo o no es el amor de Dios”. Tiene que haber ese discernimiento porque el arte en las iglesias y la liturgia es algo inspirado por Dios, de vital importancia. También conviene mucho que el obispo tenga sensibilidad artística, eso se puede educar o, por lo menos, despertar una consciencia y ser consecuente después.