Introducción

Azul. El color del Modernismo se inspira en el libro de Rubén Darío "Azul...", publicado en 1888, y a partir de ahí se adentra en el espíritu de una época marcada por la presencia del azul y de sus connotaciones. Se trata de un período, el de finales del siglo XIX y comienzos del XX, en que se constituye una poetización estética basada en la relación entre los paisajes, los fenómenos de la naturaleza y los estados anímicos. Esta conexión se inscribe en el proyecto de la modernidad, transita por el simbolismo y ve nacer el cinematógrafo.

La poesía y el arte de la época se llenan de paisajes crepusculares, de cielos a medianoche, de parajes montañosos, de playas y de mares, pero también de escenas cotidianas y de retratos que emplean una gran variedad de azules como vehículo para traducir y manifestar el misterio y el subconsciente, la belleza y la inmensidad, las tensiones interiores y la soledad, la vida espiritual y el más allá.

Con la llegada de los pigmentos sintéticos, a los azules que estaban presentes en aquel momento en la paleta de los artistas se les añaden otros: al preciado azul ultramar (el lapislázuli), el índigo o el azul cobalto, se les unen el azul ultramar francés, el azul de Prusia o el cerúleo. Y así se amplían las posibilidades y los matices de expresión de una época que, en Azul. El color del Modernismo, se transforma en un recorrido que va de Occidente a Oriente y de la música a la poesía, pasando por la pintura y por el cine.

El protagonismo que toma el azul a finales del siglo XIX no es del todo nuevo. Anteriormente, el Romanticismo ya había concedido una atención particular al simbolismo de los colores, entre ellos el azul, que representaba virtudes poéticas. No en vano, Victor Hugo sostenía que "l'art c'est l'azur", es decir, "el arte es el azul". También los poetas simbolistas otorgaban al azul valores y atributos fundamentales, como Charles Baudelaire, quien consideraba que emergía de la belleza enigmática de las sombras para devenir un símbolo vinculado a lo inalcanzable, mientras que Stéphane Mallarmé se aventuraba en la búsqueda del ideal de belleza absoluta a través del "eterno azur". Rubén Darío, desde tierras americanas, se inspiraba en la poesía francesa para escribir, en 1888, el libro "Azul...", de influencia decisiva en los modernistas.

A finales del XIX, en paralelo, nace el cine. En sus inicios, el color se aplicaba manualmente fotograma a fotograma con pinceles, plantillas o tintes de colores. Así se conseguía crear atmósferas que a menudo respondían a un código de uso según el cual, por ejemplo, el rojo expresaba peligro; el amarillo, alegría, y el azul, la noche. En el año 1906 el sistema se mecaniza gracias, entre otras novedades, al Pathécolor, un procedimiento de coloreado de películas con plantilla. Sin embargo, no podemos hablar de cine en color hasta las décadas de los años veinte y treinta del siglo XX. Pero si queremos atender a los colores del Modernismo y, concretamente, al azul y a su relevancia, debemos fijarnos en las primeras películas coloreadas.

Organizada en colaboración con el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) y los Musées d'Art et d'Histoire de Ginebra, Azul. El color del Modernismo está formada por un total de 72 pinturas -algunas de las cuales se prestan por primera vez- de más de una docena de prestadores, así como por cinco películas, gracias a la colaboración de la Filmoteca de Catalunya. CaixaForum Sevilla (Centro Comercial Torre Sevilla. Calle López Pintado, s/n) es el centro cultural que acoge el estreno absoluto de esta nueva exposición. Repartida en cinco ámbitos, se pregunta qué evoca el color azul en el Modernismo y, al mismo tiempo, de qué forma este movimiento artístico afecta la percepción del azul.

La selección de obras expuestas en la muestra incluye a los principales artistas en el paso del siglo XIX al siglo XX, entre los que destacan Hermen Anglada-Camarasa, Joaquim Mir, Isidre Nonell, Pablo Picasso, Darío de Regoyos, Nicolau Raurich, Santiago Rusiñol o Joaquín Torres García. También se incluyen algunas figuras destacadas del arte europeo como Ferdinand Hodler, Emil Nolde, Gustave Courbet o Maurice de Vlaminck, junto a una serie de estampas japonesas de la colección Anglada-Camarasa.

Como viene siendo habitual en todas las exposiciones que organiza "la Caixa", Azul. El color del Modernismo se complementa con un completo programa de actividades para el público general, familiar y escolar, y actividades de verano y específicas para el Día de los Museos, así como la publicación de un catálogo editado por "la Caixa" y Editorial Planeta con artículos a cargo de Teresa-M. Sala i Garcia, Eduard Vallès, Elisa de Halleux, Pere Capellà Simó, Mariona Bruzzo Llaberia y Rosa Cardona Arnau.

Todos los colores del azul

Las tonalidades azuladas de las pinturas y de los aizuri-e de las estampas japonesas son como palabras a través de las cuales se expresan los artistas. Por eso es clave que, en el siglo XIX, los pigmentos se fabriquen por primera vez industrialmente: así se consigue imitar el arco iris con una exactitud sin precedentes y ampliar el vocabulario pictórico al alcance del pincel.

El azul adquiere nuevos matices y nuevas tonalidades: al preciado azul ultramar (el lapislázuli), el índigo o el azul cobalto, se les añaden el azul ultramar francés o el azul de Prusia. Con todo, hasta la década de 1860 los artistas no dispusieron de un auténtico pigmento cerúleo, aunque inicialmente solo en acuarela. Una década más tarde, cuando ya es posible utilizarlo en óleo, alcanza una gran relevancia.

"Azur" el poder evocador

El "azur" se convierte en el ideal de belleza de los artistas y de los poetas que reaccionan contra el advenimiento del materialismo, en un intento por encontrar respuestas a la crisis de valores en que se hallan inmersos. El sueño de una Europa simbolista encuentra en el azul el color de la poesía, del arte y del misterio.

Quien otorga al azul buena parte del sentido que el Modernismo mantendrá con posterioridad es Charles Baudelaire. En sus versos se convierte en el lugar de la belleza, pero también de la inspiración, de la vida interior y de la pureza. En uno de sus poemas más representativos, compara la figura del poeta con los albatros, a los que llama "reyes del azur". La simbología y los valores de este color también están presentes en la obra de Mallarmé, que en el poema "El Azur" exclama: "Me obsesiono. ¡El Azur! ¡El Azur! ¡El Azur! ¡El Azur!".

La luminosidad y la claridad de los celajes se consiguen con el azul cielo, azul celestino o azul pálido, muy presente ya en la obra de pintores románticos como Constable y Turner. Es mediante este color y su intensidad que muchos creadores plasman lo sublime en el lienzo, a partir de paisajes y de escenas de la naturaleza que impactan por su grandiosidad. Son buenos ejemplos de ello la vista panorámica de las montañas de los Alpes de Gustave Courbet y la del mar tempestuoso de Ramon Martí i Alsina, a quien el pintor francés marcó profundamente. La profundidad y la fuerza de los lienzos de ambos pintores, situados habitualmente en el Realismo, nos alejan de cualquier tipo de etiqueta estética.

Paisajes sonoros/Paisajes del alma

Existen numerosos paralelismos y puntos de contacto entre el arte del simbolismo y la música, que se convierten en un fructífero laboratorio para explorar las posibilidades de la sinestesia como resultado de la asociación de elementos que provienen de diferentes dominios sensoriales.

Paul Gauguin afirmaba que "el color es una vibración, como la música". En esta misma línea, en una carta dirigida a su hermano Theo, Vincent van Gogh había escrito que "la pintura, tal como aparece hoy, promete volverse más sutil -más música y menos escultura-, promete, en fin, el color".

La música se ve y los colores se oyen en las obras de un período en que el yo se expresa en los paisajes. Las escenas nocturnas son sinfonías en azul, igual que, de hecho, todas las representaciones de la naturaleza son melodías que se ofrecen a la vista y al oído para transmitir las emociones de quien las pinta.

Los estados contemplativos permiten no tanto observar la realidad exterior como adentrarse hacia las profundidades del alma. A menudo hacen aflorar la melancolía, que se tiñe de azul para representar la figura del melancólico como un ser meditativo o triste que, al mismo tiempo, se corresponde con la imagen del artista y del marginado. Son buenos ejemplos de ello las mujeres que retratan Nonell y Hodler, ensimismadas y abstraídas en sus circunstancias.

El crepúsculo, en tanto que indica el instante en que el día empieza a terminarse, es una metáfora de la incertitud, la soledad y la muerte. Son muchas las representaciones textuales y pictóricas en que la naturaleza onírica de lo que podemos llamar "la hora azul" expresa la sensibilidad de finales del siglo XIX.

Aunque con algunas variaciones, la Arcadia se mantiene como el lugar paradisíaco y de comunión con la naturaleza que había aflorado durante el Renacimiento y el Romanticismo. En las obras de los escritores y de los artistas simbolistas, la Arcadia es un espacio idílico, una imagen sin tiempo que conecta con el mito y que es capaz de reflejar verdades eternas.