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LOS DIEZ ÓLEOS MÁS VENDIDOS POR OVERSTOCKART

Jesús Abades y Sergio Cabaco

Las ventas hacen referencia a las pinturas al óleo más vendidas en la última década (2000-2009) por Overstockart, un portal digital líder en reproducciones hechas a mano de célebres piezas originales.

A excepción de un mito del clásico italiano Leonardo da Vinci, las preferencias de los compradores se han quedado en las corrientes artísticas de los siglos XIX y XX.

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Noche Estrellada Autor: Vincent van Gogh Año: 1889 Museo de Arte Moderno de Nueva York Entre 1888, momento en que se instaló en Arles, y 1890, año de su suicidio, Vincent van Gogh realizó toda su obra madura, llegando a un pleno dominio de sus medios expresivos. Pintó gente, objetos, y el paisaje que le rodeaba, con una pasión que actuó sobre el color, la línea y el espacio, creando así un lenguaje de una fuerza y de una autenticidad incontenibles.


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Terraza de Café por la Noche Autor: Vincent van Gogh Año: 1888 Museo Kröller Müller de Otterlo Como Vincent van Gogh buscaba en su etapa de madurez de Arles exagerar lo esencial, se valía para ello de pinceladas dinámicas y vigorosas, así como de formas simplificadas. El pintor no quería reproducir exactamente lo que tenía delante de los ojos, sino servirse arbitrariamente del color para poder expresarse con más fuerza.


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El Beso Autor: Gustav Klimt Año: 1907-1908 Österreichische Galerie Belvedere de Viena En esta obra asistimos a la experiencia amorosa idealizada. El Eros y el Thanatos se unen. La mujer es la protagonista, del hombre apenas si vemos el rostro. La pareja está ensimismada, fuera del mundanal ruido. El fondo es neutro, en el que destaca la peana floreal. Fuerza las anatomías para que los cuerpos formen un rectángulo de contornos limpios. Usa formas diferentes para cada sexo, a la mujer le corresponden los círculos, los roleos y las curvas, mientras que al hombre lo ortogonal. Gustav Klimt llegó a incluir teselas, cristales, esmaltes y pan de oro. Es por eso que se le considera como precursor de collage del cubismo, aunque los objetivos del artista son los puramente ornamentales.


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Campo de Amapolas en Argenteuil Autor: Claude Monet Año: 1873 Museo de Orsay de París En la pequeña localidad francesa de Argenteuil, a orillas del Sena, tuvo lugar un extraordinario y feliz periodo en que Claude Monet y el llamado Grupo de Batignolles (Édouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, el propio Monet y otros pintores) realizaron parte de las obras más impresionistas de la historia. En aquellos años, la paleta de Monet se había aclarado, apartando definitivamente de ella el negro, la gama de colores grises y los tonos pardos.


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La Gioconda Autor: Leonardo da Vinci Año: 1503-1505 Museo del Louvre de París Según Giorgio Vasari, La Gioconda es la esposa del florentino Francesco de Giocondo, Monna Lisa, aunque hay quien ha buscado, sin pruebas, otros modelos. Su enigmática y fresca sonrisa es la primera incorporación al arte renacentista, demasiado serio y tímido en los rostros del Quattrocento, de la sonrisa bienhumorada que Leonardo captó magistralmente en esta dama, representada de medio cuerpo y con las manos plegadas sobre el brazo de un sillón. Leonardo llevó consigo el cuadro a Francia, cuando fue llamado por el monarca Francisco I, el cual lo adquirió para la colección real. Expuesto en el Louvre, fue robado en 1911 y recuperado en 1913.


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El Sueño Autor: Pablo Ruiz Picasso Año: 1932 Colección Steve Wynn de Las Vegas Finalizada la Primera Guerra Mundial, la mayoría de los integrantes del grupo cubista regresó a París, pero ya no era posible encontrar allí el espíritu anterior a la contienda. Convertido en un artista de renombre, con una posición estable, Picasso reconsideró el mundo clásico que dominaba a la sazón la escena estética. En esta obra se observa, junto a un linealismo clásico de los perfiles, un trasfondo de deformación presente ya en Las Señoritas de Avignon.


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El Desayuno de los Remeros Autor: Auguste Renoir Año: 1881 Colección Phillips de Washington Si en su óleo Almuerzo a Orillas del Río (1879-1880) Auguste Renoir seguía mostrando en su obra una total ausencia de contornos, sólo un año después y en una obra de casi idéntico tema, El Almuerzo de los Remeros, ejecutada poco antes de su decisivo viaje a Italia, esos contornos están presentes y separan unas formas de otras, destacando algunas de ellas con un nítido dibujo, como el perfil y el brazo izquierdo del remero con camiseta blanca que aparece en el primer plano de la escena. Así mismo, es notoria la diferencia entre el bodegón de una y otra mesa.


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El Grito Autor: Edvard Munch Año: 1893 Galería Municipal de Arte de Oslo Munch tuvo una infancia de acontecimientos trágicos (la tuberculosis, la muerte de su madre y de su hermana, etcétera) que explican su inestabilidad emocional y sus angustias. El Grito es una de sus obras más significativas, definida por el propio autor como un sentimiento de angustia ante el grito vasto, infinito de la naturaleza. Una súbita inquietud que transformó en colores irreales, violentos, y ritmos arremolinados que, ayudándose del uso dramático de la perspectiva, enlazan el paisaje con la desesperada figura espectral que aparece en primer término.


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Red Cannas Autor: Georgia O'Keeffe Año: 1923 Museo de Arte de la Universidad del Estado de Arizona (Phoenix) Alfred Stieglitz, inquieto y emprendedor, enamorado de la fotografía y conocedor del arte europeo de principios del siglo XX, hará una labor trascendental en el Nueva York de principios de siglo, no sólo como fotógrafo, sino como introductor de las vanguardias europeas haciendo de puente entre la vieja Europa, que pronto iba a ver trasladado el testigo de la capitalidad artística, y los Estados Unidos. Uno de sus grandes descubrimientos será una incipiente pintora de gran carisma -que acabará convirtiéndose en su esposa, además de en un auténtico icono del arte americano- llamada Georgia O'Keeffe. Trabajadora incansable, traducirá toda su riqueza interior en pinturas personalísimas de gran belleza que trascienden del realismo a la abstracción sin abandonar nunca la figuración, generando ambientes llenos de magia en los que canta a la naturaleza y a la armonía cósmica con melodías de intenso cromatismo. O'Keeffe influyó en el arte de Frida Kahlo.


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La Persistencia de la Memoria Autor: Salvador Dalí Año: 1931 Museo de Arte Moderno de Nueva York A través del método paranoico-crítico, expresado por el propio Salvador Dalí en la asociación de paranoico = blando y crítico = duro, el artista catalán desarrolló una dicotomía que se materializa en obras como La Persistencia de la Memoria, donde aparecen los elementos espaciales representados como duros, y los temporales, en este caso los relojes, como figuras blandas. Son imágenes oníricas, producidas no tanto por efecto del sueño como por la búsqueda lúcida de "fotografíar" el propio sueño.