MODALIDAD DE PINTURA

De entre todas las pinturas presentadas, considero que es oportuno concederle el puesto de honor al pintor don Jesús Zurita, por el trabajo referenciado como Cartel para la Archicofradía del Huerto, con el que se anunció la conmemoración de una doble efeméride de esta hermandad malagueña: de un lado, el centenario de la unificación de las corporaciones que en origen rendían culto por separado a sus actuales Titulares, y de otro, los 500 años de andadura histórica de la Hermandad Sacramental de la Parroquia de los Santos Mártires, a la que esta misma corporación está vinculada.

Por ello, hay que valorar, en primer lugar, la adecuación de medio y fin, puesto que nunca resulta sencillo abordar el complejo trasfondo que encierra un encargo de tipo conmemorativo. Medio mileno de historia de una ciudad tan dinámica como Málaga no es fácil de plasmar, ni aún a la hora de retratar sus vetustas tradiciones, las cuales suponen un termómetro más de la evolución sociocultural del entorno. Ante semejante reto, convienen dos soluciones, la apuesta por un formato tradicional o el recurso a la innovación. Resulta evidente que esta última ha sido la valiente opción que ha escogido el autor, dentro de un medio como el malagueño, que tan acostumbrados nos tiene desde hace algunos años a la originalidad en estas propuestas, aunando lo canónico con la novedad.

Si un género artístico se presta a proporcionar facilidades en tal sentido, ese es el género pictórico. Porque la pintura, tal y como reza la manida cita latina, es como la poesía y encierra un potencial creativo, capaz de escapar a ciertos moldes, sin renunciar nunca a la transmisión de un mensaje para el que debe poner a su disposición toda su capacidad expresiva. Precisamente, en este trabajo, lo que podemos encontrar es una original adecuación del medio a su fin, con la creación de un cartel (que, en cualquier caso, no deja de ser otra cosa que un anuncio), en que el mensaje se lee con claridad por el público en general y, sin embargo, se sale de lo convencional, a pesar de que no recurre a la vanguardia.

Y es que este cartel constituye un armónico guiño histórico a la vieja cartelería del Modernismo español, que imperó en la publicidad del despegue industrial en la transición de los siglos XIX y XX. Así, el artista, sin decantarse por una técnica rompedora, ha sabido crear algo nuevo y que, al mismo tiempo, se mantiene dentro de los cánones de una estética olvidada, como lo es la vertiente del naturalismo orgánico modernista, caracterizado por el abigarramiento decorativo de la escena, la dotación de una importancia creativa al título, el dibujo preciso y marcado, un dinamismo enfatizado por la concatenación de esquemas helicoidales, y un colorido contrastado dentro de una atmósfera que tiende a apagarse.

Por supuesto, existe un respeto a la tradición iconográfica, pero no por ello deja de existir también una cierta adecuación de la iconografía a las exigencias compositivas, como puede apreciarse en las figuras de los arcángeles. Estas, lejos de haber sido ubicadas en la habitual atmósfera celeste, quedan imbricadas en una profusa vegetación entre la que se abre paso el mundo de la visión onírica, al que se sobreponen de manera más que visible las tres figuras sobre las que recae el peso de la doble efeméride. Se recupera, por tanto, esa tendencia al horror vacui que es característica del estilo, sin que el desarrollo de elementos ornamentales actúe en detrimento de una simbología, que resulta rica y abundante.

En definitiva, nos encontramos ante una propuesta sumamente interesante que, lejos de mantenerse fiel a la impronta habitual de la cartelería cofrade o de romper radicalmente con la misma desde presupuestos vanguardistas, ha apostado por rescatar un sello estilístico que teníamos casi olvidado, renovando unos esquemas que se daban por obsoletos, lo cual delata también una preocupación erudita por conocer las Artes y saber emplear de forma adecuada los tipos propios de cada estadio estilístico.

Una vez emitida esta valoración, procedo a destacar brevemente aquellos otros trabajos pictóricos que creo conveniente resaltar, dentro del límite de obras que he fijado:

Beato Marcos Criado. Obra de D. Manuel Ángel Reina Infantes, para el nuevo retablo de la Parroquia de Santa Ana de Guadix.

Se trata de un notable ejemplo del desarrollo que están adquiriendo en los últimos años esos parámetros realistas que están redescubriendo un nuevo naturalismo para el arte sacro, mucho más libre y coherente que aquel que se impuso durante el Barroco. Así, la apuesta por emplear modelos reales, desprovistos de esa idealización a que forzaba la unción sacra tradicional, conlleva que el gesto místico y los atributos iconográficos deban tener forzosamente un mayor protagonismo. De esta forma, los instrumentos del martirio, ese único punto de luz que inunda la atmósfera de certeza divina, o el verismo del paisaje, quedan en una simbiosis compositiva que viene favorecida por el recurso a la pincelada suelta y al juego de volúmenes sólidos. Con lo cual, resulta una creación fresca, que supone un paso más en el camino de la consolidación del nuevo realismo sacro en la pintura.

Gloria. Obra de D. Rubén Terriza, para el paso de palio de la Virgen de los Dolores de Los Palacios.

Dentro de la complicación que supone para el artista la adaptación del trabajo pictórico a un marco irregular y que no va a ser contemplado frontalmente dentro de su ubicación lógica en el techo del paso de palio, la pintura goza de perfección compositiva; máxime si tenemos en cuenta la dificultad de seguir un patrón iconográfico que fuerza una composición abigarrada por la presencia de ocho figuras principales. Aun así, el autor ha recurrido a la plástica barroca tradicional de ecos italianos, para jugar con maestría con semejantes condicionantes, sin abandonar nunca los principios fundamentales de simetría, armonía, perspectiva, proporción y decoro. La disposición de los personajes es el resultado del empeño por dotar de una entidad individualizada a cada uno de los fundadores servitas, como a los ángeles que envuelven a la figura de la Virgen. De esta forma, singulariza cada gesto y expresión, reforzando un dinamismo que de otra forma quedaría escaso, como también ocurre con el recurso a la profundidad, que queda enfatizada por los escorzos de las figuras del primer plano, que potencian la lectura ascendente y enmarcan un breve fondo paisajístico. Con lo cual, se ha superado con gran agudeza de trazos, modelado preciso, equilibrio cromático y armonía expresiva un significativo reto compositivo.

MODALIDAD DE ESCULTURA

En el ámbito del arte sacro, la escultura adquiere forzosamente consideraciones diferentes a las de la pintura, en tanto que se hace imaginería, esto es, imágenes que son creadas para ser rezadas, veneradas y queridas. Este tipo de creaciones comportan una carga estética en que la pieza interpela directamente a las emociones del espectador, sentándose de esta forma un vínculo que, con frecuencia, supera a la transmisión del mensaje, en tanto que este se torna sentimiento. Por supuesto, semejante juego de sensibilidades guarda una estrecha relación con el carácter de cada lugar, lo que justifica la diversidad de tipos fisionómicos y de recursos expresivos que representan a cada escuela regional de imaginería.

En tal sentido, la pieza a la que voy a dar el lugar de honor en esta categoría, recoge el testigo del legado estilístico de la praxis imaginera que la ha precedido, de tal modo que supone una creación que renueva y mantiene muy viva la esencia de la escuela murciana que se consagra en el Barroco tardío de la mano de Francisco Salzillo. Esta es la nota fundamental de la delicada y, al mismo tiempo, enérgica talla de la Inmaculada Concepción, obra de don Juan y don Sebastián Martínez Cava, destinada a la sede del Seminario Menor Diocesano en la localidad murciana de Santomera.

Con este trabajo, los hermanos Martínez Cava reafirman que la herencia de Salzillo se mantiene plena de validez a día de hoy. Las nuevas creaciones que vemos en otros núcleos históricos de la imaginería son una clara muestra de la dificultad que reviste en la actualidad el pleno entendimiento de los estilemas de un gran maestro del Barroco. Sin embargo, en este trabajo se da una continuidad absolutamente fiel, que ha conseguido preservar a la perfección el carisma salzillesco y, al mismo tiempo, lo dota de actualidad, pues no se trata de una copia de un trabajo del gran maestro, sino un brillante logro de quienes se presentan como sus aventajados discípulos a través de los siglos.

El punto de partida es el archiconsagrado esquema fusiforme que impuso el genio de Alonso Cano. Pero, lejos se someterse a los parámetros de equilibrio, quietud y frontalidad marcados por el granadino, toda la composición queda inundada de ese aire salzillesco que la conduce por el camino de la exploración de las máximas posibilidades expresivas, dinámicas y polícromas que las pautas iconográficas del tema inmaculista consienten. De esta manera, goza de un equilibrio absoluto el contraste que se genera entre la dulce serenidad del rostro que dirige su mirada hacia el espectador, y el ímpetu dinámico que quiebra con violencia la estabilidad del manto, haciéndolo liviano y envolviendo la figura en una espiral de vigoroso movimiento. Esta queda reforzada por la propia inclinación de que se ha dotado a la efigie, acusando el contraposto de manera delicada y casi imperceptible.

La talla minuciosa, que ha sido pródiga en bucles capilares y pliegues textiles, se ve prolongada en su multitud de detalles mediante el uso de una policromía que alcanza cotas de virtuosismo. Las carnaciones sonrosadas se introducen en el efectista juego de claroscuros que propician los volúmenes y potencian su intensidad expresiva; sobre ellas, la frondosa cabellera se remata con suavidad a toque de pincel, de modo que la transición de los elementos resulta natural. No menor consideración reviste la destreza con que se ha aplicado la policromía y se han sacado los estofados en los textiles, que igualmente se benefician de una inteligente variación de la profundidad de la talla, a la que ni siquiera se le escapa el toque maestro que dota de entidad a la decoración de los encajes.

En definitiva, se trata de un nuevo logro a la hora de trabajar una iconografía que apenas admite variaciones, de tal manera que estas únicamente se pueden introducir por la técnica en los recursos plásticos, como de hecho así ocurre en este trabajo que, fácilmente, coloca al espectador en la certidumbre de estar ante una obra maestra de la imaginería contemporánea.

Seguidamente, corresponde resaltar con mayor concisión otros cuatro trabajos de considerable interés: 

Datos y resultados del Premio del Público en este